ニール・エルウッド・パート O.C.（Neil Ellwood Peart, Officer of the Order of Canada ; 1952年9月12日 - 2020年1月7日）は、カナダ出身のミュージシャン、作詞家、作家。ハードロック/プログレッシブ・ロックバンド「ラッシュ」のドラマーおよび主要な作詞家として知られる。日本語表記では「パート」とされることが多いが、実際の発音は[pɪərt]で、日本語のカタカナにすると「ピアート」に近い。
1983年、『モダン・ドラマー』誌の読者人気投票で殿堂入りを果たすほか、『ローリング・ストーン』誌の「読者が選ぶ史上最高のドラマー」で第2位http://www.rollingstone.com/music/daily-blog/blogs/rsstaffblogpost_2010/39743/39509、『リズム・マガジン』誌による「史上最高のドラマー50人」で第4位http://www.musicradar.com/news/drums/50-greatest-drummers-of-all-time-part-2-225815/22#content、Gigwiseによる「史上最高のドラマー」で第4位http://www.gigwise.com/photos/43499/47/The-Greatest-Drummers-Of-All-Timeに選ばれるなど、数々の賞を受賞している 。1996年には、バンド・メンバーのアレックス・ライフソン、ゲディー・リーとともに、カナダ勲章を受勲している（Officer of the Order of Canada）。
来歴
生い立ちと音楽活動の開始 ニール・パートはオンタリオ州ハミルトンに生まれ、家族がセントキャサリンズへ転居した後、13歳で地元の教師ドン・ジョージにドラムを習い始めた。地域のロック・バンドで演奏し、18歳で音楽家としての活動を目指してロンドンへ渡った。1972年にカナダへ戻ると、父の農業機械販売店で働きながらバンド活動を続けた。
1970年代：ラッシュへの加入と長編作品 1974年7月、ジョン・ラトジーに代わってラッシュに加入した。デビュー・アルバム『Rush』には参加しておらず、録音作品への初参加は1975年の第2作『Fly by Night』である。演奏に加えて主要な作詞を担い、ベースとボーカルのゲディー・リー、ギターのアレックス・ライフソンとのトリオで活動した。
加入後のラッシュでは、パートの歌詞とリー、ライフソンの作曲を組み合わせた作品が中心となった。『Caress of Steel』（1975年）に続く『2112』（1976年）では、レコード会社が同種のコンセプト作品に難色を示すなか、レコード片面を占める表題組曲を制作した。この作品の商業的成功によって、バンドは以後の音楽的方向を選ぶ自由を得た。
『A Farewell to Kings』（1977年）から『Hemispheres』（1978年）へは、「Cygnus X-1」の物語が引き継がれた。『Hemispheres』は複数の章から成る片面全体の組曲と、器楽曲「La Villa Strangiato」などで構成される。パートは通常のドラム・セットに加え、ティンパニ、ゴング、オーケストラ・ベル、クロテイル、テンプル・ブロックなどを演奏し、長い楽曲の中に異なる打楽器の音色を配置した。
1980年代：楽曲の凝縮と電子楽器の導入 『Permanent Waves』（1980年）では、それまでの長大な概念的作品から、短くまとまりラジオでも扱われやすい楽曲へと方向を変えた。「The Spirit of Radio」にはレゲエの要素も取り入れられた。続く『Moving Pictures』（1981年）では「Tom Sawyer」「YYZ」などを発表した。拍子やリズムの変化を伴う演奏は維持しながら、個々の曲の中に展開を凝縮していった。
『Signals』（1982年）ではキーボードやシーケンサーなどの比重が増し、曲も短くなった。この作品を最後に、初期から共同制作を続けていたテリー・ブラウンとの関係が一区切りとなった。パートの作詞も、SFや歴史的・文学的な物語だけでなく、「Subdivisions」の郊外生活や若者の疎外感といった、身近な社会経験に向かった。
『Grace Under Pressure』（1984年）以降の舞台では、電子打楽器を後方に置く回転式セットを採用した。『Hold Your Fire』（1987年）期には、アコースティック・ドラムと電子パッド、サンプラー、MIDI機器を組み合わせ、打楽器音や効果音を演奏した。後年の「Time Stand Still」の実演でも、両手のドラム演奏だけでなく左足で電子音を鳴らすなど、複数の音を分担して再現した。
1990年代：バンドの音色の変化と奏法の再学習 『Presto』（1989年）と『Roll the Bones』（1991年）でルパート・ハインと共同制作した後、『Counterparts』（1993年）ではピーター・コリンズが復帰した。バンドはシンセサイザーへの依存を減らし、ギター、ベース、ドラムを軸にした音へ戻った。一方で、パートは同作でも電子打楽器を用いており、電子楽器を全面的に放棄したわけではない。
1994年にはバディ・リッチへのトリビュート盤『Burning for Buddy』をプロデュースし、自身もビッグバンドで演奏した。1990年代半ばにはフレディ・グルーバーのもとで、長年の握り方や姿勢、打撃の動きを見直した。こうした再学習の時期に制作した『Test for Echo』（1996年）の演奏を、教則映像『A Work in Progress』でも取り上げた。ロック・バンドでの活動と並行して、他のドラマーとの制作や演奏法の検討を続けた。
1997年に娘、翌1998年に妻と死別した後、音楽活動を中断した。北米から中米に及ぶオートバイ旅行を重ね、その経験を後に『Ghost Rider』にまとめた。
2000年代：復帰と録音方法の変化 thumb|300px|ミラノで演奏するパート（2004年9月21日）。
ラッシュは2001年1月に制作を再開し、同年11月まで録音した『Vapor Trails』を2002年に発表した。パートは2002年のインタビューで、従来のようにリハーサルで各パートを固めてから短期間にドラムを録るのでなく、作曲と準備をしていたスタジオで、そのまま録音を進めたと説明している。
リーとライフソンがジャムから楽曲の形を組み立てる一方、パートは歌詞を渡し、そのデモからドラム・パートを考えた。さらに彼の演奏に応じてベースやギターを修正し、その変更を聴いてドラムを練り直した。3人が互いのパートを受け取り、順次発展させる方法であった。パートは、この制作過程がよりグルーヴを重視した演奏につながったと述べている。
2004年にはカバー作品『Feedback』と結成30周年のR30ツアーを行った。『Snakes & Arrows』（2007年）ではニック・ラスキュリネツを初めて共同プロデューサーに迎え、ニューヨーク州キャッツキル山地のAllaire Studiosで2006年11月から12月に録音した。パートはこの時期にも演奏法の探究を続け、2008年にはピーター・アースキンの指導を受けた。
2010年代：即興への展開と最後のツアー thumb|300px|エア・カナダ・センターで演奏するパート（2010年7月17日）。
2010年から2011年のTime Machineツアーでは「Working Man」などで即興的な展開を試した。続く『Clockwork Angels』（2012年）の録音では、細部まで決めたパートを再現する従来の方法よりも、ラスキュリネツとともにスタジオで演奏を発展させる比重を増やした。2012年のバンド取材でリーとライフソンは、パートから届く演奏が以前とは異なる自由さを持っていたことを語っている。
パート自身も2012年の文章で、新しい録音方法を説明している。曲を数回聴いて全体の感触をつかむ程度に準備をとどめ、録音中はプロデューサーがスティックを使った身振りやカウントで曲の転換点へ導いた。あらかじめ作り込んだ演奏を記憶から再現するのでなく、録音そのものの中で即興しながらパートを形にしていく方法であり、その後のマット・スキャネルとの録音にも応用した。
同作は、2010年4月に録音した「Caravan」「BU2B」と、2011年10月から12月に録音した他の曲から成る。パートの歌詞は、秩序を押しつける時計職人がいる世界で若者が夢を追う、スチームパンクと錬金術を取り入れた一連の物語を描いた。ケヴィン・J・アンダースンによる小説化も2012年に刊行され、アルバムの創作が文学作品へ展開した。
thumb|300px|R40ツアーのバンクーバー公演（2015年7月17日）。中央のスクリーンにパートが映る。 2015年のR40ツアーでは、後期から初期へとバンド史を遡る構成を採った。同年発売の『R40 Live』はトロント公演を記録している。ツアー終了後、パートは公の演奏活動から退いたが、執筆は続け、2016年に最後のツアーの旅を記した『Far and Wide』を刊行した。https://nme-jp.com/news/66040 NME JAPAN 2018年12月21日「ラッシュのゲディ・リー、ニール・パートがドラムから完全に引退したことを明かす」
2020年1月7日、サンタモニカで死去した。67歳。バンドの公式略歴によれば、死去前の3年半にわたり膠芽腫の治療を受けていた。
演奏と音楽的影響 thumb|300px|ザ・ゴージ公演でのドラムソロとスクリーン映像（2011年7月2日）。
パートの演奏は、楽曲の展開に合わせてリズム、フィル、音色を組み立てる作曲的なアプローチを特徴とする。キース・ムーンを重要な影響として挙げながらも、自分自身はより組織立てた演奏を好むと説明した。Percussive Arts Societyの顕彰記事では、ジョナサン・ムーヴァーが個々のドラム・パートを楽曲内の小さな作曲として評し、アントニオ・サンチェスはソロにおける物語性から受けた影響を述べている。
曲ごとに異なる構成の例として、『Modern Drummer』は「YYZ」のモールス信号をもとにした5拍子の導入、「The Spirit of Radio」でのレゲエ的なリズム、「Bravado」で楽曲の進行に応じて打楽器の層を増していく構成を取り上げている。速いフィルや多点セットだけでなく、伴奏の密度や空間を曲に合わせて変える奏者として論じている。
ドラム・ソロは独立した構成を持つ演目として扱われた。『Anatomy of a Drum Solo』では、2004年9月のフランクフルト公演の約9分のソロ「Der Trommler」を区分して解説し、即興による練習や別公演のソロも収録した。精密に組み立てた舞台上のソロと、即興的な探索の双方を教材として提示している。
『』誌による1988年のインタビューでは、ザ・フーの影響を受けて作曲とドラム演奏を始めたと語っている。ドラマーとしては、ザ・フーのキース・ムーンのほか、レッド・ツェッペリンのジョン・ボーナム、キング・クリムゾンの初代ドラマーであるマイケル・ジャイルズ、クリームのジンジャー・ベイカー、ジェネシスのフィル・コリンズ、ザ・ポリスのスチュワート・コープランド、イエスやキング・クリムゾンに参加したビル・ブルーフォード、サンタナのマイケル・シュリーヴ、ジミ・ヘンドリックス・エクスペリエンスのミッチ・ミッチェルなどの影響を受けている。さらに、スティーヴ・ガッド、ビリー・コブハム、ジーン・クルーパなどのジャズ、フュージョン界のドラマーからも影響を受けている。
使用機材と音色の構成 thumb|2007年のドラムセット。 ラッシュで用いた主なドラム・ブランドは、スリンガーランド、TAMA、ラディック、ドラム・ワークショップ（DW）である。大規模なセットを用いる一方、変更は単なる点数の増加ではなく、楽曲の音色や演奏動作に応じて行われた。
thumb|シモンズSDS 5の展示例（ドイツ博物館）。 1984年のGrace Under Pressureツアーから、主たるアコースティック・セットとは反対側に電子ドラムを配置し、回転式ライザーで観客側に向きを変える構成を採用した。1987年にはラディック製セットに移行し、シモンズのパッド、Akaiのサンプラー、ヤマハのMIDIコントローラー、MalletKATを組み合わせた。これにより、大きな打楽器を実物で並べずに、その音色を演奏できた。
1986年のインタビューでは、ビル・ブルーフォードとテリー・ボジオを電子打楽器の先導者として挙げ、その探求を評価した。『Power Windows』期にはSDS-7とEPROMを用いてSimmonsのパッドから自作サンプルを再生し、「The Big Money」には硬貨の音や、自分の声を加工した打楽器音も用いた。1989年のインタビューでは、「Scars」で手による8パッドと足によるスネア、バスドラムのパートを多重録音なしで演奏したことや、「Mission」のライブで、録音時に重ねたスネアとマリンバの音を同一パッドに割り当てたことを説明している。
ジョー・ベルガミニの『Taking Center Stage』は、Time Machineツアーで演奏した「Time Stand Still」を例に、左手のパッドと左足の電子ペダルで異なる時計音を鳴らす仕組みを説明している。同書は、アルバムでティンバレスを用いたフィルを舞台では高音タムに移している点も指摘する。
2003年9月にはSABIANの工場を訪れ、開発担当のマーク・ラヴとシンバルの共同開発を始めた。試作品の旋盤加工やベル部分のハンマリングを検討し、訪問後も意見交換を続けてParagonシリーズを作り上げた。シリーズは2004年に登場した。
2000年代にはローランドV-Drumsを含む電子打楽器を使用し、2015年のR40公演でもDW、SABIAN、Pro-Mark、Remo、ローランドなどが機材クレジットに記載された。個別ツアーの機材配置や使用モデルは変化しており、ある時期のセットを全活動期間に共通するものとみなすことはできない。
ラッシュ以外の音楽活動 1985年にはジェフ・バーリンのアルバム『Champion』に客演し、「Champion (of the World)」と「Marabi」で演奏した。後者ではスティーヴ・スミスとツインドラムを担当した。 また、マット・スキャネルとの共作「Even Now」がヴァーティカル・ホライズンの『Burning the Days』（2009年）に収録され、パートは同曲を含む3曲でドラムを演奏した。 「Even Now」はパートが詞を持参し、それにスキャネルが曲を付けた作品である。 『Echoes from the Underground』（2013年）にも参加し、「Instamatic」と「South for the Winter」で演奏した。
1994年には、バディ・リッチ・ビッグバンドと複数のドラマーによるトリビュート作品『Burning for Buddy』をプロデュースした。パート自身も「Cotton Tail」で演奏しており、単独のドラマーによる全曲演奏盤ではない。第2集『Burning for Buddy Volume II』は1997年に発表された。
作詞 パートは読書から受けた影響と歌詞の文体の変化を結び付けて説明している。1982年のインタビューでは、初期に愛読したトマス・ハーディやチャールズ・ディケンズなどのヴィクトリア朝文学、幻想文学、SFにならって、伝えたい着想を装飾的な表現で包んでいたと述べた。一方、その後はF・スコット・フィッツジェラルド、アーネスト・ヘミングウェイ、ウィリアム・フォークナー、ジョン・バースらに関心を移し、簡潔で正確な言葉によって主題を表すことを目指すようになったという。
初期の長編曲「2112」（1976年）は、アイン・ランドの著作の影響を受けた未来社会の物語であり、アルバムにはランドへの謝辞が記されている。 「Xanadu」（『A Farewell to Kings』、1977年）については、当初は映画『市民ケーン』に着想を得た曲を考えていたが、映画で引用されるサミュエル・テイラー・コールリッジの詩「クーブラ・カーン」を読んだことで構想が変化したと説明している。パートは詩のイメージに旅と冒険の要素を加え、不死を呪いとして描いた。
「Subdivisions」（『Signals』、1982年）は、バンドのメンバー自身が育った郊外を題材とする。 後年、パートはこの曲に自伝的要素が強いことを認め、学校で他人からどう扱われたかが、その後の人格形成にも関わると述べた。 「Red Sector A」（『Grace Under Pressure』、1984年）では、強制収容所の生存者による手記を踏まえ、極限状態でも生きようとする意志を描いた。本人によれば、特定の時代や民族に限定しない物語にする意図があった。 ゲディー・リーも、母親がベルゲン・ベルゼンで解放された際の経験をパートに話したことが、同曲に影響したと述べている。
「Nobody's Hero」（『Counterparts』、1993年）は、英雄とは何かという抽象的な問いから生まれた。パートは1994年のインタビューで、英国滞在中に知り合った同性愛者の友人を、英雄というより自分に良い模範を示した人物として歌詞に取り入れたと説明した。一人称の使用も、必ずしも歌詞全体が実体験であることを意味せず、普遍的な主題に個人的な視点を与える技法だとしている。
『Clockwork Angels』（2012年）では、スチームパンクと錬金術の世界を旅する若者の物語をアルバム全体に展開した。 パートはツアーブックで、筋書きにヴォルテールの『カンディード』、個々の場面にジョゼフ・コンラッド、ダフニ・デュ・モーリエらの作品から影響を受けたと記している。 同作では、日頃集めていた断片的な語句や題名を出発点にする従来の方法を離れ、白紙から歌詞を組み立てた。リーとライフソンの音楽に合わせ、リーとのメールのやり取りで語句の削除・追加・修正も重ねた。
思想についての発言 ランドの影響について、パートは2012年の『ローリング・ストーン』のインタビューで、若い頃に自分の信念を貫く支えになったと振り返る一方、その著作がなお自身に訴えかけるかという質問には否定的に答えた。その時点の立場は自ら「bleeding-heart libertarian」と表現している。 別のインタビューでは、苦しむ人を助けたいという理由から、一般的なリバタリアンの立場とは異なり課税と医療制度を支持すると説明した。
教育映像・採譜資料 『A Work in Progress』（1996年）は、ドラム・パートの作成と録音を扱う教則映像である。パートは『Test for Echo』期の自身の演奏を題材として制作した。続く『Anatomy of a Drum Solo』（2005年）はドラム・ソロの構造と練習を対象とし、収録演奏の解説に加え、マリンバで作曲・演奏した「Momo’s Dance Party」「Pieces of Eight」も音声特典として収めた。
『Taking Center Stage: A Lifetime of Live Performance』（2011年）は、Time Machineツアーの個人練習、会場でのサウンドチェック、舞台裏のウォームアップ、本番演奏を関連づけた教材である。各曲のグルーヴやフィルを通常速度と遅い速度で示し、ドラムを中心に聴けるミックスとカメラ映像を用いた。単なるライブ映像集ではなく、本番までの準備と演奏上の課題も扱っている。
制作に際しては、2010年のリハーサルとニューヨーク州サラトガ・スプリングズ公演などの撮影に加え、2011年1月にデスヴァレー国立公園で解説場面を収録した。パートは自身の文章で、スタジオ、舞台、自然の中での説明を組み合わせる意図を述べた。
関連書籍『Taking Center Stage』はジョー・ベルガミニの著作であり、パートは序文と編集に関わった。映像の演奏から起こした17曲のドラム譜、ツアーごとの演奏と機材の解説、セットの図を収録している。
旅行・執筆活動 パートの著述は、紀行、音楽と人生の回想、共同創作の小説へ広がった。生前のノンフィクション単著は『The Masked Rider』から『Far and Wide』まで7作であり、死後刊行の『Silver Surfers』は別に数えられる。教育用書籍への序文・編集、同一作品の再刊やコミック翻案も、単著の冊数とは区別される。
旅・経験と書籍の対応 旅をした年と本の刊行年は異なる。Far and Away / Far and Nearは単一の旅ではなく、複数年の文章を編んだ作品。Silver Surfersは紀行ではなく自動車についての著作。 旅・経験の時期 場所・対象／移動手段 書籍 初刊年 何を記録したか 1988年11月 カメルーン／自転車 The Masked Rider 1996 住民との出会い、同行者との関係、自己観察 1998–1999年 北米～メキシコ・ベリーズ／オートバイ Ghost Rider 2002 喪失後の旅。日記・手紙と帰還後の回想 2003年3月 ロサンゼルス→ビッグ・ベンド／自動車 Traveling Music 2004 車内で聴いた曲から、人生と時代の記憶へ 2004年 R30公演間の北米・欧州／オートバイ Roadshow 2006 道路上の経験と、公演準備・演奏の自己評価 刊行前の約4年間 北米・欧州・南米、家庭生活 Far and Away 2011 公開書簡22編を写真・序文・結びとともに再編集 刊行前の約3年間 ルイジアナ、テューリンゲン、ケベックなど Far and Near 2014 土地の風景・歴史・思索を記したウェブ文章 2015年 R40公演間の北米／オートバイ Far and Wide 2016 最後のツアーの旅と演奏生活の回想 生前の収集・運転 1960年代のスポーツカー Silver Surfers 2024（没後） 愛車に関する文章と本人が選んだ写真
自転車で土地と人を観察する パートの最初の著書『The Masked Rider: Cycling in West Africa』（1996年）は、1988年11月に参加した約1か月のカメルーン自転車旅行を扱う。序文によれば、東アフリカの動物に引かれた旅の後、今度は人々を知るため西アフリカを選んだ。
自転車は移動の自由を保ちながら住民と出会える速度の乗り物と考え、手帳、録音機、カメラを携帯した。各地の風景や歴史だけでなく、同行者間の緊張や自分の反応も記述対象とした。旅先で普段の仕事や人間関係から離れることを、他者と自身の社会的な「仮面」を見直す機会として論じている。
喪失後の旅と、音楽からたどる記憶 『Ghost Rider: Travels on the Healing Road』（2002年）の背景には、娘と妻を相次いで失った後の旅がある。パートは1998年8月20日、ケベックの湖畔の家からオートバイで出発した。
出発時には期間も最終目的地も決めず、カナダを西へ横断してアラスカに達し、その後はアメリカ西海岸、メキシコ、ベリーズへと移動した。約14か月、5万5000マイルの旅を扱う同書は、帰還後に書かれた一人称の叙述に、旅の日記や家族・友人への手紙を組み合わせている。『Exclaim!』のスチュアート・グリーンは、これを通常の音楽家の日記とは異なる、旅行記と喪失からの回復の記録として評した。
『Traveling Music: Playing Back the Soundtrack to My Life and Times』（2004年）では、旅と回想を結び付ける役割を音楽が担った。中心となるのは2003年3月のロサンゼルスからテキサス州ビッグ・ベンド国立公園への自動車旅行である。
車内で聴くCDを時代や気分に応じて並べ、曲から連想される出来事を通して生い立ちや音楽との関係を振り返った。本人は、経歴上の事実を順番に記すよりも、音楽と記憶を介して自分が生きた時代をたどることを意図したと説明している。2006年のインタビューでは、何を書くか考えるために出た旅行自体が本になったと述べた。
公演のあいだを旅する 『Roadshow: Landscape with Drums — A Concert Tour by Motorcycle』（2006年）は、2004年のラッシュ30周年ツアーを、演奏と公演間の移動の両面から描く。北米とヨーロッパでの走行は約2万1000マイルに及び、アパラチアの集落、アメリカ西部の砂漠、スコットランド、アルプスなどを通った。
公演の準備や演奏への自己評価と、道路上の出来事を並行して記録した。同書についてパートは、舞台の華やかなイメージの背後でも体調や日常的な悩みが続く現実を伝えたかったと説明した。また、地方の町で接する人々の暮らしが、自分を広い世界の中に位置付け直す機会になり、作詞にも影響すると述べている。
ウェブの文章を紀行集へ編む 『Far and Away: A Prize Every Time』（2011年）は、北米・ヨーロッパ・南米での経験や家庭生活を扱ったウェブ上の公開書簡22編を、新たな序文と結びを加えて編んだ写真入りの随筆集である。公開された2007年7月の一編では、ウェストバージニアの裏道を「Red Barchetta」の着想源となった短編の作者リチャード・S・フォスターと走った経験を記した。
一方で、『Roadshow』のために記録を集め続けた前回のツアーとは異なり、この時期は毎日の走行距離を中心に記し、何でも文章に残そうとせず旅そのものを味わっていると説明した。
続く『Far and Near: On Days Like These』（2014年）も、約3年間のウェブ掲載文を再編集した作品で、ルイジアナやドイツのテューリンゲンの裏道、雪のケベックの森などを取り上げた。『Kirkus Reviews』は、音楽や公演の記述よりも、人のあまり通らない道を選ぶことと、そこで得る経験が中心だと評した。土地の様子、歴史的な挿話、個人的な思索の組合せを評価する一方、各篇の構成には反復もあると指摘している。
『Far and Wide: Bring That Horizon to Me!』（2016年）は、2015年のR40ツアーの35公演と約1万7000マイルのオートバイ移動を背景に、アメリカ西部、ケベックのローレンシャン山地、ロサンゼルスなどの風景と、約半世紀に及ぶ演奏生活を振り返る。『Publishers Weekly』は、バンドの内部事情だけを主題とする本ではなく、写真とともに、ドラム、家族、宗教などへ話題が移る個人的な回想集として紹介した。
ツアーの記録に演奏者としての来歴や家庭生活を重ねる構成になっている。
旅から自動車の著述へ 死後の2024年に刊行された『Silver Surfers』は、本人が生前に完成させた文章と選んだ写真をもとに、1960年代のスポーツカーのコレクションを扱う。1964年型アストンマーティンDB5や1963年型シボレー・コルベットなどの収集と運転の経験が紹介される。
共同創作と翻案 ケヴィン・J・アンダースンとの共同創作は、1994年に『Shock Rock II』に掲載された短編「Drumbeats」に遡る。2020年の特別版には、パートによる元の後書きと、死去後にアンダースンが書いた新たな序文が収録された。出版社は、パートのアフリカ旅行の描写をもとに、アンダースンが物語を組み立てたと説明している。