ウルス・フィッシャー（Urs Fischer、1973年 - ）は、スイス生まれの現代美術家であり、2026年現在はニューヨークおよびロサンゼルスを拠点に活動している。フィッシャーの制作は、彫刻、インスタレーション、写真、そしてデジタル技術を介したイメージ作品に及ぶ。
生い立ちと教育 フィッシャーは1973年、2人の医師を両親とする2人きょうだいの末子として生まれた。スイスのチューリヒにある造形学校（Schule für Gestaltung）で学んだ。
美術およびデザインの基礎課程である1年次のコースを修了した後、同校の写真学科に進学した。在学中は生計を立てるため、チューリヒのナイトクラブやホームパーティーでバウンサー（警備員）として働いていた。
経歴 フィッシャーは1993年、19歳のときにオランダのアムステルダムへ移住した。1996年にはチューリヒのギャラリーで初の個展を開催した。その後、ロンドン、ロサンゼルス、ベルリンで生活し、のちにニューヨークへ移った。
ベルリンおよびニューヨークでは、美術家の Rudolf Stingel とスタジオを共有していた。
2009年当時、フィッシャーのスタジオはブルックリンのレッドフック地区のウォーターフロント近くにある大規模な倉庫を使用していた。2019年にはロサンゼルスのフロッグタウン地区にスタジオを構えていた。
作風 フィッシャーは、彫刻、写真、ドローイング、絵画、出版、デジタルアートなど、多様な分野にわたって制作を行っている。作品にはさまざまな素材や手法が用いられており、新しい計算システムや人工知能（AI）も取り入れている。その結果として生み出される作品群は、「容易には分類できない」と評されている。
彼の芸術に対する転覆的かつ形而上学的なアプローチは、しばしばネオ・ダダやロスト・アート、あるいは シチュアシオニスト・インターナショナルといった反芸術運動の影響を受けているとみなされている。
1990年代半ばにヨーロッパで作品発表を始めて以来、フィッシャーは膨大な数のオブジェ、ドローイング、コラージュ、そして部屋全体を用いる大規模なインスタレーションを制作してきた。
また、美術・文化誌『Vault』は彼を「国際的に高く評価されている」芸術家であり、現代を代表する重要なアーティストの一人であると評している。彼の作品は国際市場で取引されており、落札価格が680万ドルに達した例もある。
初期から2020年までの活動（1996–2020年）
1996–2000
1996年、フィッシャーはチューリヒのガレリー・ヴァルヒェトゥルム（Galerie Walcheturm）で初の個展を開催した。
1999年には、ロンドンの Delfina Foundation のアーティスト・イン・レジデンスに選出された。このプログラムには、Keith Tyson、Mark Wallinger、Sonia Boyce らも参加していた。 サムネイル|《Baked Master's Basket》（1999年／2005年）ベルリン、Nationalgalerie 所蔵
2001–2006 2002年には、アメリカにおける初の美術館個展を Santa Monica Museum of Art で開催した。この展覧会には、初期の蝋彫刻作品《What Should an Owl Do with a Fork（フクロウはフォークをどうすべきか）》が含まれていた。
2007–2010 2010年には、美術家の Darren Bader と共著で『The Bearded Island / The Artists Lament』を出版した。この出版物は、2009年にコネティカット州グリニッジの Brant Foundation で開催されたグループ展「Remembering Henry’s Show」に並行して企画されたプロジェクトである。本書は、一連のイメージを背景として、芸術家の人生につきまとう恐怖や強迫観念を詳細に考察した内容となっている。
《Death of a Moment》（2007年）では、部屋の二面の壁全体に床から天井まで届く鏡が設置され、それらが油圧システムによって動かされる。これにより、空間そのものが変形し、形状や大きさを変え続けるかのような、超現実的な効果が生み出されている。
2011–2017
《Untitled 2011》 2011年、フィッシャーはヴェネツィア・ビエンナーレのために、フランドル系イタリア人彫刻家ジャンボローニャの代表作《The Rape of the Sabine Women》を実物大で蝋により再制作した。
この彫刻は、スイスの鋳造工房 Kunstgiesserei で制作された。フィレンツェのシニョリーア広場に設置されている原作は、光学スキャナーによってデジタル化され、そのデータをもとにポリウレタンフォーム製の3Dモデルが作成された。さらに、そのモデルから型を取り、大理石の質感を模倣するために着色した蝋を流し込んで制作された。
《Untitled 2011》には特別な芯（ウィック）システムが組み込まれており、会期中を通じてロウソクのように徐々に溶けていく仕組みとなっていた。
この展示には、フィッシャーの友人であり同じく美術家である Rudolf Stingel の蝋像や、フィッシャー自身のオフィスチェアを蝋で再現した作品も含まれていた。
この作品は、美術雑誌『Vault』によってヴェネツィア・ビエンナーレの見どころの一つとして評価された。
「Problem Paintings」 2012年、フィッシャーは ガゴシアンにおいて初個展「Beds & Problem Paintings」を開催した。この展覧会では、ハリウッド黄金期の宣伝用写真を大きく引き伸ばした作品群に、ありふれた日用品のイメージをシルクスクリーンで重ね合わせた作品が発表された。 「“問題”とは、有機物あるいは無機物が人物の顔を遮っていることである。ビーツ、レンチ、バナナといった障害物はいずれも日常的なものだが、この作品では巨大に拡大されており、中には子馬ほどの大きさのものもある。そのため、それらはたちまち象徴的な存在となる。」――『The New York Times Magazine』より。
Kiito-San 2012年、フィッシャーは自身の出版レーベル Kiito-San を立ち上げた。同レーベルの出版物は、Distributed Art Publishers（DAP）および Buchhandlung Walther König を通じて流通している。
Kiito-San は、フィッシャー自身の展覧会カタログのほか、Spencer Sweeney、Peter Regli、Darren Bader の作品に関する書籍を刊行している。
2015年には、『Cooking for Artists（アーティストのための料理）』と題する料理本を出版した。この本は、フィッシャーのスタジオで昼食を担当している料理人の Mina Stone によって執筆されたものである。
2018–2021
PLAY 2018年、フィッシャーは 《PLAY》 を構想した。振付は Madeline Hollander が担当した。
この作品は、振付と彫刻を組み合わせた部屋全体を用いるインスタレーションであり、来場者はモーションセンサーとモーターを備えたロボット式オフィスチェアと相互作用することができる。椅子は自律的に移動し、展示空間内の参加者の行動に反応する仕組みとなっている。
iPad Paintings 同年、フィッシャーは iPad を用いた絵画制作の探究を始めた。彼は次のように語っている。「それは楽器を演奏することにはるかに近い。素材を動かして操作する必要がなく、自分の直接的なタッチが即座に作品へと反映されるからである。」
彼の iPad 絵画は、しばしばデイヴィッド・ホックニーのデジタル作品を想起させるものと評されている。
これらの作品は、ロンドンの Sadie Coles HQ および、ビバリーヒルズのガゴシアンで展示された。
"SIRENS" 2019年、フィッシャーはベルリンの Galerie Max Hetzler で「SIRENS」展を開催した。本展では、新たな絵画シリーズが発表された。これらの作品は、初期の「Problem Paintings」の美学を発展させたものであり、古典的なハリウッド映画のスチール写真を基盤として、形態、フォルム、色彩の探究を行ったものである。
HEADZ 「HEADZ」は、Spencer Sweeney のニューヨーク・チャイナタウンのスタジオで毎週開催されていた、食事、音楽、創造活動を中心とするサロンである。『The New York Times』は、この催しについて「Andy Warhol のファクトリーの精神をよみがえらせた」と評した。
この催しは口コミによって参加者が集まり、一般にも開放されていた。来場者は食事を楽しみ、即興音楽に耳を傾けるとともに、自ら作品を制作してスタジオの壁に展示することができた。
9か月後、スウィーニーの賃貸契約が終了すると、スタジオの壁面は写真に記録された。フィッシャーはその壁面を実物大（1対1）の記念的な壁紙として再現し、2020年にベイルートでインスタレーションとして展示した。これはフィッシャーにとって中東地域で初の展覧会であった。
《The Intelligence of Nature》 COVID-19（COVID-19）の流行によりロサンゼルスで外出制限下の生活を送っていた期間、フィッシャーは新たな絵画シリーズ《The Intelligence of Nature（自然の知性）》を制作した。このシリーズは、自宅、庭、アトリエ、さらには幼少期の写真など、身近な生活環境から着想を得た作品群である。これらの作品は2021年、ロンドンの Sadie Coles HQ で展示された。
近年の活動（2021年–現在） CHAOS（デジタル彫刻／NFT） フィッシャーはそのキャリアを通じて、デジタル技術を用い、既存の画像を転用したイメージと生成されたイメージを組み合わせる手法を用いてきた。2021年には、《CHAOS》において初めて本格的にデジタル彫刻の可能性を探究した。このシリーズは、卵やライターといった日常的な物品1000点をデジタルスキャンによって再現し、それらが互いに作用し合うよう組み合わせた作品群である。
《CHAOS》は、500点の個別のNFT作品として発表されるとともに、その集大成として《CHAOS #501》が制作された。このプロジェクトの完成には2年以上を要し、3Dモデリング、アニメーション、モーションキャプチャーの専門家から成る国際的なチームが参加した。フィッシャーによれば、作品に用いられたオブジェクトは、「人間によって設計され、文化的に形成され、あるいは製造されたもの」であるという理由から選ばれた。
2021年4月、《CHAOS #1》から《CHAOS #500》までの作品は、Fair WarningおよびMakersPlaceにおけるオンライン・オークションを通じて一般公開された。《CHAOS #1》は、匿名の購入者によって約10万ドルで落札された。
さらに2022年9月には、シリーズの集大成である《CHAOS #501》が、ニューヨークのガゴシアンで開催された展覧会「Denominator」に出品された。この作品は、ピクセルピッチ0.84ミリメートルの最新鋭のマイクロLEDウォール（縦14フィート×横30フィート）に映し出され、1000点すべてのデジタル・オブジェクトが単一の空間の中で相互作用する様子が展示された。
「Denominator」展 同展において、フィッシャーは二つの新作も発表した。
一つは《People》であり、これはロンドンのナショナル・ギャラリー第43室を再現したインスタレーションである。そこには、ゴッホをはじめとする画家たちの作品の複製が展示され、その上にYouTubeの動画配信者（インフルエンサー）の切り抜かれた頭部の映像が投影された。本作は、「鑑賞者の作品への参与そのものが作品のイメージの一部となる」という点において、ジェフ・クーンズの《Gazing Ball》シリーズになぞらえて論じられた。
もう一つの《Denominator》は、縦12フィート×横12フィートの立方体状のLEDスクリーンによる作品である。そこには、テレビCMの映像断片をアルゴリズムによって生成・再構成した映像が映し出された。これらの映像は、フィッシャーがソフトウェア・エンジニアと共同で設計した新たな映像データベースに蓄積されたものである。「その結果として生み出されるのは、新たな処理の様式によって時間や価値体系が分解されたイメージの奇妙な融合である。フィッシャーは、人間の認知によってそれらの意味や理解を探る解釈の枠組みを構築するのではなく、コードにその働きを委ね、そこから新たな解釈が立ち現れることを許容している。……まるでフィッシャーは、現代において『観客』とは何を意味するのか、さらには、その観客は果たして人間である必要があるのかを問いかけているかのようである。」
denominator は本来「分母」を意味し、「共通分母（common denominator）」の語感も含む。フィッシャーは本作において、アルゴリズムによって分解・再構成される現代のイメージや価値体系の共通基盤を問い直していると解釈されている。
UF（衣料品ライン） 2022年後半、フィッシャーは自身の衣料品ライン「UF」を立ち上げ、ニューヨークのジェフリー・ダイチ・ギャラリーにおいて発表した
主な作品
《Untitled (Bread House)》 《Untitled (Bread House)》（2004–2005年）において、フィッシャーは食パンの塊を用いて、スイス風のシャレー（山小屋）を制作した。
また、《Bad Timing, Lamb Chop!》（2004–2005年）では、巨大な木製の椅子（実際にはアルミニウム鋳造によるもの）が、半分ほど中身の残ったタバコの箱を貫くように配置されている。いずれのモチーフも極端に拡大されており、日常的な物のスケール感を劇的に変容させた作品となっている。
《Untitled (Lamp / Bear)》 2005年から2006年にかけて、フィッシャーは《Untitled (Lamp / Bear)》を制作した。これは、高さ23フィート（約7メートル）、重量20トンに及ぶブロンズ製のクマの彫刻3点から成る作品シリーズである。うち2点は黄色、残る1点は青色に彩色されている。それぞれのクマの頭部からは、ありふれた実用品としてのランプが突き出しているように見え、動物的な存在と機能的な日用品とが奇妙に結び付けられている。
2011年には、そのうちの1点がニューヨークのシーグラム・ビル前広場において5か月間展示された後、クリスティーズのオークションに出品され、ホセ・ムグラビによって600万ドルで売却された。この作品はカタール・ドーハのハマド国際空港に恒久展示されている。
一方、青色のバージョンは「Blueno（ブルーノ）」の愛称で親しまれ、2016年から2020年まで、アメリカ・ロードアイランド州プロビデンスのブラウン大学構内に設置されていた。
《You》 2007年、ニューヨークのギャヴィン・ブラウンズ・エンタープライズで開催された個展のために、フィッシャーはギャラリーのメイン展示室の床を掘削し、床があった場所に深さ8フィート（約2.4メートル）の巨大な穴を出現させた。施工業者を招いて実際に掘削工事を行い、その結果生まれた作品に《You》という題名を与えた。
美術批評家のジェリー・サルツは本作について、「実験精神に満ち、エネルギーとエントロピーにざわめき、混沌と矛盾が詰め込まれている」と評している。 サムネイル|2019年4月、キャンベラのオーストラリア国立美術館において展示されたウルス・フィッシャーの《Francesco 2017》。
蝋彫刻（Wax Sculptures） フィッシャーによる一時的な芸術作品（エフェメラルアート）としての蝋彫刻は、今日では彼の制作実践を象徴するものとなっている。フィッシャーは2000年代初頭に蝋彫刻の制作を開始し、当初は匿名の女性像を粗削りな形態で制作していた。現在では、美術界における重要人物たちの洗練された肖像彫刻へと発展しており、それらはろうそくのように火が灯され、展覧会の会期中に徐々に溶けていく。
これらの蝋作品のほとんどは人間を主題とした彫刻的肖像であり、溶解していく過程そのものが、実存や芸術の究極的な意味、そして芸術が後世に残す遺産についての思索を促すものとなっている。
《Francesco 2017》は、イタリア人キュレーターであり、フィッシャーの親しい友人でもあるフランチェスコ・ボナミをかたどった、高さ4メートルに及ぶ蝋彫刻である。オーストラリア国立美術館は2018年、新館長ニック・ミツェヴィッチの指揮のもと、本作を収蔵した。これはフィッシャーの作品として初めて南半球の美術館コレクションに正式収蔵された事例でもあった。
《Francesco 2017》では、ボナミは果物や野菜が詰め込まれた開いた冷蔵庫の上に立つ姿で表現されている。この冷蔵庫は台座として機能しており、歴史上の重要人物を大理石の台座の上に顕彰してきた伝統的な彫刻のあり方を風刺している。ボナミはスマートフォンを見つめており、その姿勢は「現代という時代を象徴するもの」と評されている。また、溶けゆく蝋と冷蔵庫内の果物や野菜は、17世紀オランダ絵画におけるメメント・モリ（死を想え）の伝統を参照している。17世紀の静物画では、食物、ろうそく、砂時計、頭蓋骨といったモティーフが、人間の死の不可避性を想起させるものとして用いられていた。
フィッシャーは、この彫刻をどのように燃焼させるかについて厳密な規則を設けていない。作品の各所には芯が埋め込まれており、すべての芯に同時に点火して溶解の過程を早めることもできれば、一度に点火する芯の数を制限することで作品の「寿命」を延ばすこともできる。点火は継続的に行うことも、断続的に行うことも可能である。そして、彫像が完全に溶け尽きた後、その残骸は制作を担当したスイスの鋳造工房へと送り返される。そこで再び鋳造され、新たな展示のために美術館へ戻されるのである。
ミツェヴィッチは、本作の収蔵について『The Australian』紙に対し、「この世代の芸術が何を目指しているのかを体現するもの」であると述べた。また、『Canberra Times』のインタビューでは、この彫刻は「現代美術は静的なものではなく、生きており、絶えず変化し続け、私たちが生きる世界を映し出している」ことを示していると語っている。
展覧会 フィッシャーにとって初の大規模な個展は、2004年にチューリヒのチューリッヒ美術館で開催された「Kir Royal」であった。
アメリカの美術館における初の個展は、2009年にニューヨークのニュー・ミュージアムで開催された「Urs Fischer: Marguerite de Ponty」である。アーティスト自身が構成を手がけたこの展覧会は、美術館の3フロアを使用し、「没入型のインスタレーションと幻覚的な空間」を特徴としていた。フィッシャーの彫刻やインスタレーション作品を大規模に紹介する内容であったにもかかわらず、この展覧会は「洗練され、驚くほど簡潔である」と評され、批評家たちからも好意的な評価を受けた。
2012年には、ヴェネツィアのパラッツォ・グラッシにおいて、キャロリーヌ・ブルジョワとの共同構想による回顧展が開催された。この展覧会は、フィッシャーのロンドンのスタジオを再構成したものであり、模型、スケッチ、メモ、家具、美術作品などを包括的に展示した。フィッシャーは、パラッツォ・グラッシで個展形式の展覧会を開催した最初の存命作家となった。
2013年には、ロサンゼルス現代美術館（MOCA）が、ゲフィン・コンテンポラリーとMOCAグランド・アヴェニューの二つの会場を用いて、大規模な回顧展を開催した。そこではフィッシャー自身の作品に加え、展示空間への物理的介入も行われた。例えば、《You 2007》では、美術館の壁に巨大な穴が穿たれた。また、《Yes 2013》では、来場者が粘土を用いて制作した数多くの「彫刻的実験」によって構成される参加型作品が展示された。
『Artforum』誌に寄稿したミシェル・クオは、こうした介入的な試みについて、「現代のキュレーションにおける『型どおりで画一的』な手法への挑戦」であると評した。一方、『Los Angeles Times』紙はより批判的な見解を示し、フィッシャーの作品は、ロバート・ゴバー、マルセル・デュシャン、ブルース・ナウマンといった先行する芸術家たちの影響を強く受けていると指摘した。また、美術界への風刺を標榜しながらも、展示作品の大半が個人ギャラリーや個人コレクションからの借用品であったことから、その批評性は空虚なものに感じられると論じた。
また、近年の主要な展覧会として、以下のものがある。
「Not My House Not My Fire」──ポンピドゥー・センター、エスパス315（パリ、2004年） 「Mary Poppins」──ブラファー・ギャラリー（ヒューストン大学美術館、ヒューストン、2006年） 「Urs Fischer: Marguerite de Ponty」──ニュー・ミュージアム（ニューヨーク、2009–2010年） 「Skinny Sunrise」──クンストハレ・ヴィーン（ウィーン、2012年） 「Madame Fisscher」──パラッツォ・グラッシ（ヴェネツィア、2012年） 「Urs Fischer」──ロサンゼルス現代美術館（ロサンゼルス、2013年） 「YES」──デステ財団プロジェクト・スペース（ギリシャ・イドラ島、2013年） 「Play」──ガゴシアン（ニューヨーク、西21丁目、2018年） 「Maybe」──モダン・インスティテュート（グラスゴー、2018年） 「Dasha」──ガゴシアン、デイヴィス・ストリート（ロンドン、2018年） 「Big Clay #4 and 2 Tuscan Men」──シニョリーア広場（フィレンツェ、2017年） 「The Public & the Private」──リージョン・オブ・オナー美術館（サンフランシスコ、2017年） 「SIRENS」──ギャラリー・マックス・ヘッツラー（2019年） 「Images」──ガゴシアン（ビバリーヒルズ、2019年）
2022年4月には、メキシコシティのフメックス美術館（Museo Jumex）において、ラテンアメリカ地域では初となる美術館での個展を開催した。この展覧会のために新たに制作された蝋作品には、芸術家のスペンサー・スウィーニー、ケンブラ・ファーラー、美術商のエステラ・プロヴァス、そしてフメックス美術館創設者のエウヘニオ・ロペス・アロンソが題材として取り上げられた。展覧会のキュレーションは、フランチェスコ・ボナミが担当した。
なお、フィッシャーは2016年にGNMH AWARDを受賞している。
評価 2009年に『The New Yorker』誌に掲載されたフィッシャーの人物評では、「フィッシャー自身と同様に、彼の芸術作品も非常に印象に残る一方で、その本質を一言で捉えることは難しい」と述べられている。また、『The New York Times』紙は、彼の作品の先見性に注目し、次のように評している。「これらの作品は、暗黙のうちにデュシャン的でありながら、驚くほど体験的でもある。単色画がしばしば絵画の終焉を予告するかのように見えるように、これらの作品はインスタレーション・アートの終焉を告げるもののようにも思われた。」この評価は、フィッシャーの作品が、既存の芸術形式の前提を問い直し、その限界や可能性を押し広げるものとして受け止められてきたことを示している。
私生活 2000年代初頭以降、少なくとも2019年時点まで、フィッシャーはロサンゼルスのソラノ・キャニオン地区にある1920年代築の住宅で生活していた。それ以前には、ニューヨーク市グリニッジ・ヴィレッジにも居住していた。
フィッシャーは、かつてカサンドラ・マクラウドと交際しており、この関係の間に娘が1人誕生している。
2014年後半には、Tara Subkoff と結婚した。二人の間にはグレース（Grace）という娘がいる。しかし、その後2016年に離婚している。
参考文献 Adam McEwen, Urs Fischer: Beds and Problem Paintings (New York: Rizzoli), 2012 Caroline Bourgeois, Patricia Falguières, Michele Robecchi, Urs Fischer: Madame Fisscher (New York: Kiito-San), 2012 Bice Curiger, Massimiliano Gioni, Jessica Morgan, Urs Fischer: Shovel in a Hole (Zurich: JRP Ringier), 2009 Garrick Jones, Brice Marden, Beatrix Ruf, Urs Fischer: Good Small Make-Up Tree (Zurich: JRP Ringier), 2005 Bruce Hainley, Jörg Heiser, Mirjam Varadinis, Urs Fischer: Kir Royal (Zurich: JRP Ringier), 2005